El Sello de CV Galería: una entrevista con su arquitecto titular, Francisco Danús
El Sello de CV Galería: una entrevista con su arquitecto titular, Francisco Danús.
Por Lucía de la Fuente para Revista Ambientes
Fotografía: Pablo Casals Aguirre
Emplazado en un lugar icónico de la zona oriente de Santiago, en la comuna de Vitacura, este edificio se plantea mediante un programa de uso múltiple, el desafío de solucionar diferentes situaciones de la ciudad contemporánea integrando arquitectura, arte, gastronomía, diseño y negocios.
CV Galería es el resultado del trabajo en conjunto entre los estudios Macchi Jeame Danús Arquitectos y Boza + Boza Arquitectos, destacando también la participación del diseñador Orlando Gatica en el diseño interior y de DIAV en la iluminación. En el proyecto se distinguen tres volúmenes claramente reconocibles: el cuerpo de oficinas representado por una torre en altura, la placa comercial que se enfrenta a la calle a través de una serie de vitrinas, y un zócalo subterráneo que contiene una serie de graderías, terrazas y restaurantes. Para conocer más detalles sobre esta propuesta, nominada al Premio Aporte Urbano 2019 en la categoría Mejor Proyecto Edificio de Uso Mixto, conversamos con Francisco Danús, arquitecto titular.
¿Cuál diría que es la principal innovación de CV Galería desde el punto de vista arquitectónico?
Por un lado, la disposición de los volúmenes del programa que busca ir más allá de los estándares normales de este tipo de proyectos, haciendo que en vez de tratar de maximizar el área útil disponible, se la juegue en cambio por ofrecer una cantidad menor de espacio, pero de calidad. Así el carácter de estas zonas es posible solamente por la renuncia de áreas construidas a favor de un espacio abierto y conectado a través de amplias gradas y terrazas con la vereda.
Por otro lado, la decisión de enfrentar el diseño de sus fachadas con un alto compromiso por la sustentabilidad, que muchas veces se contradice con la inclinación que tenemos los arquitectos por los edificios-objeto, que se despliegan como verdaderas esculturas urbanas, que, a pesar de su calidad estética, fallan en entender su compromiso con sus ocupantes, habitantes y entorno.
¿Cómo se relaciona el edificio a través de su materialidad con el contexto que lo rodea?
Se consideró primordial dentro del diseño del edificio la importancia de su entorno inmediato, lo que no solo se entiende con los múltiples accesos desde la calle, sino también con la forma que se superpone este espacio urbano dentro de los límites de la obra. Para esto se ampliaron las veredas en diferentes sectores prolongando las mismas materialidades y diseño del espacio público hacia los subterráneos del edificio, de tal forma que se pierde el límite real entre ambos.
Una de las particularidades del CV Galería es su patio central, donde las áreas verdes tienen especial protagonismo, ¿cree que en general los proyectos urbanos o de uso mixto resuelven de manera adecuada la inclusión de la naturaleza y su conexión con la ciudad?
En general tanto las áreas verdes y el material vegetal, se incorporan tarde dentro del proceso de diseño, quedando como un elemento anexo de carácter más bien ornamental y no como un fundamento o estrategia de proyecto. En CV Galería se incorporó el paisajismo en paralelo con el desarrollo del proyecto de arquitectura, entregándole un rol preponderante en el trazado de recorridos y lugares de estar. Así también el muro verde diseñado por Orlando Gatica se convierte en un bosque vertical que no solamente actúa como revestimiento sino constituye una nueva forma de entender el paisaje. Creemos que la vegetación incorporada así, como parte de un todo, es capaz de transformar y de hacer del espacio construido algo mucho mejor.
En este proyecto participaron diferentes oficinas de arquitectura, diseño y paisajismo, ¿con qué metodología se organizó esta colaboración y cómo contribuyó cada disciplina al resultado final?
En general, te diría que para lograr resultados satisfactorios en el diseño de proyectos complejos como este, primero es fundamental la confianza del mandante en el equipo. Se requiere que, sin renunciar necesariamente a sus requisitos, estén disponibles a explorar soluciones que pudieran parecer en un primer momento un retroceso. Creo que en CV Galería esto fue esencial. Se requiere además, de parte del equipo de proyecto, un compromiso de no quedarse con ideas preconcebidas y soluciones probadas y aceptar el desafío de búsqueda de nuevas respuestas a problemas también nuevos. Al final como muy bien definen en su pregunta, estos proyectos son resultados de procesos colectivos, en el cual todos merecen estar orgullosos de su aporte. Son demasiado los factores que presionan los cambios dentro del proceso de diseño como también de la construcción, que requieren de ajustes y respuestas rápidas de parte del equipo de proyecto, las cuales se deben entender no como un traspiés al proceso arquitectónico sino como parte integral del proceso de éste. Los edificios de alguna forma son entes inanimados que por momentos cobran vida.
5 mercados gastronómicos imperdibles de Europa
5 Mercados Gastronómicos imperdibles de Europa
Por: Catalina Dib
Mercato Mayfair, Londres
La última adhesión a la escena foodie londinense, Mercato Mayfair es de alto impacto. Literalmente alto, ya que este mercado está ubicado en una iglesia construida entre 1825 y 1828 en estilo neo-griego. Este edificio patrimonial, antigua St Mark’s Church, fue desacralizada en los años ‘70 y prácticamente abandonada hasta que fue comprada por los mismos creadores del famoso Mercato Metropolitano (en Elephant & Castle), renovada y convertida en un alucinante mercado gastronómico.
La típica oferta de comida en el West End es de cadenas y restaurantes de mantel largo, por lo que el Mercato Mayfair es un aire fresco para el sector. El bello subterráneo abovedado será lugar de encuentro para la comunidad, con talleres, eventos y clases de cocina, En la bóveda central hay un café y un bar donde puedes vivir la experiencia de pedirte un gin tonic en altar. Son 4 pisos con todo tipo de experiencias gastronómicas que coronan en una terraza en el techo a la sombra de la torre de la iglesia. Una experiencia inusual e imperdible
Markthalle Neun, Berlín
Este mercado, en el taquillero barrio de Kreuzberg en Berlín, abrió sus renovadas puertas el año 2011. Neun en alemán es 9, ya que éste era el número nueve de los 14 mercados de su tipo que se construyeron en la capital alemana a fines del siglo XIX, hoy quedan 4. Fueron tres emprendedores quienes le compraron este lugar a la ciudad de Berlín para evitar su venta a un clásico desarrollo inmobiliario que de seguro lo convertiría en un supermercado.
Este mercado funciona con varias modalidades semanales, por lo que al momento de visitarlo, lo mejor es revisar su web. Martes, viernes y sábado hay un tradicional mercado semanal, donde comprar verduras, quesos y vinos (claro, todo orgánico, artesanal y de la mejor calidad). El día estrella, es el jueves en la tarde, donde este lugar se repleta de vendedores de “street food” de todas partes del mundo, dando esa sensación multicultural e inclusiva tan característica de Berlín. Además hay un montón de eventos especiales, todos con la onda cool de este lugar y este barrio.
Mercado de San Miguel, Madrid
Este mercado ya se ha convertido en un must de la ciudad, un lugar que no puedes perderte mientras estás unos días en Madrid. El mercado con la arquitectura actual, fue inaugurado en 1916 como mercado de abastos, en una época donde los mercados cubiertos eran una novedad moderna y más aún las estructuras de hierro con la que fue construido. Al día de hoy, es el único de su tipo que queda en pie en Madrid.
En 1999 tuvo su primera remodelación, pero la oferta comercial centrada en materias primas, no pudo competir con el alza de los supermercados. Es por esto, que el 2009, un grupo privado lo compra y lo resucita a modo de mercado gastronómico, que es lo que conocemos y amamos hoy. En el mercado de San Miguel los locales también pueden hacer sus compras, pero de paso probar el mejor jamón ibérico, arroces mediterráneos, quesos de toda España, tapeos de todo tipo, mariscos frescos y claro, tomarse una caña o una buena copa de vino. El público es una mezcla de turistas y locales en un ambiente de fiesta genial y siempre repleto.
Time Out Market, Lisboa
El primero de muchos, el Time Out Market de Lisboa fue la incursión inicial del grupo editorial en un mercado gastronómico. Nació ahí mismo, del grupo de periodistas y críticos de la capital portuguesa ¿qué pasa si hacemos una curatoría al estilo Time Out de lo mejor de la ciudad y lo juntamos bajo un mismo techo? Este es el resultado, un lugar donde probar la mejor hamburguesa, el mejor pastel de nata y las mejores conservas. El mercado se encuentra dentro del histórico Mercado de Ribeira, donde los locales siguen comprando sus verduras, pescados y carnes. Este tradicional lugar abrió sus puertas en 1890 en el barrio costero de Cais de Sodré, hoy convertido en un lugar trendy (en gran parte por Time Out Market) de día y noche.
El equipo de Time Out Portugal, hace una selección de las mejores ideas en la ciudad, que pueden permanecer en el mercado desde una semana a tres años. Son 26 restaurantes, incluidos algunos de los mejores chef de Portugal con estrella michelin, 8 bares, algunas tiendas y un espacio para eventos musicales. Y como lo bueno se expande, no dejen de visitar la web de Time Out Market, para ver la nuevas aperturas en ciudades como Miami, Montreal, Nueva York, Boston y más.
Torvehallerne, Copenhagen
Igual que la historia de la mayoría de estos mercados gastronómicos europeos, Torvehallerne en Copenhagen se ubica en el renovado espacio de un mercado que estuvo activo desde 1889 hasta 1958. El año 2011 abrió nuevamente sus puertas ofreciendo lo mejor de esa calidad escandinava que tanto perseguimos. La escena gastronómica de Dinamarca y su fama mundial, comenzaron a crecer desde el éxito de Noma y su fijación por lo endémico. En este bello mercado de vidrio y fierro en medio de la ciudad, también se puede vivir, y probar, claro, ese especial sabor nórdico, ya sea en un espectacular café, pasteles daneses o los exquisitos smorrebrod, esos típicos sandwich abiertos con toppings de todo tipo.
Tiene un ambiente muy ondero y relajado, como gran parte de la ciudad y en los días de sol, el panorama perfecto es comprar unos cuantos snacks e irse a disfrutar sus rayos en las mesas de picnic al exterior o en el puente Dronning Louises, que está a unos pasos.
Los 7 ingredientes infaltables en la cocina peruana por Héctor Solís, creador de La Picantería
Los 7 ingredientes infaltables de la cocina peruana por Héctor Solís, creador de La Picantería
Por: Catalina Dib
Nos encontramos con Héctor Solís, considerado uno de los grandes chefs peruanos y creador del restaurante La Picantería, para que nos enseñara sobre los 7 ingredientes esenciales de la comida de su país. Oriundo del norte y heredero de la cultura Moche, un pueblo de expertos sibaritas, de nobles que debían ser cocineros y de un culto constante a la buena vida que él refleja hoy en cada una de sus preparaciones.
Normalmente me hacen definir mi cocina y yo la defino como una cocina de producto, siempre digo que incluso puede hasta faltar el cocinero. Cuando tienes un producto super fresco no falta más, un pescado que ayer estuvo nadando, una verdura con semilla que no es transgénica, que no abusa de insecticidas. Nuestra cocina es de producto y dentro de ellos los peruanos infaltables son:
AJÍ. Tenemos más de 300 tipos de ajíes, los tenemos identificados con su nombre. Hay un agrónomo en la Universidad Agrónoma en Lima que tiene identificados 300 tipos. Son pre incas, son de las primeras culturas, 5000 años, ya los cultivaban. En Santiago la gente come poco ají, pero es el mejor antibiótico que hay en el mundo, además si estás en La Picantería, pruebe la experiencia, cómalo con ají. Nuestros ajíes no sólo pican, dan sabor, dan aroma, son parte esencial del plato. En los mercados comunes encuentras 10, 15 tipos de ajíes, ahora si te vas a los pueblitos tienes 5 más, pasas 100 km más allá y hay 5 más, por eso las recetas cambian. No hay una puerta de frigider en el Perú en la que no encuentres un ají licuado. El amarillo es el más popular que hay, licuado con un poco de agua, aceite y sal, es una salsa que le da sabor a cualquier plato de comida, más que picante es sabor, sirve para aderezar también y da color. Toda la cocina peruana se hace con cosas naturales, el verde lo da el culantro y las hierbas andinas, el amarillo lo da el ají.
PATO. Una de las tres razas mas importantes de pato del planeta es peruana, y es el pato mochato. Los españoles encontraron los patos domesticados acá, en España existían, pero volaban. Los españoles se llevan el pato y lo cruzan con el pato francés y crean esta gran raza de pato francés, que es famoso en el mundo, y nosotros nos quedamos con el pato domesticado por los Moches. Tu vas al Museo de Tumbas Reales de Sipán y encuentras las joyas del señor de Sipán, tenían representaciones de patos, en los pectorales eran pulpos, ellos dedicaban su vida a comer y a tener sexo. El museo de huacos eróticos más grande que hay, es el Museo Larco de Lima, que preserva los huacos de la cultura Mochica. Morían a los 30 – 35 años, pero vivían una vida de farra permanente. Hoy el plato bandera de cualquier provincia, es el arroz con pato, es un plato de fiesta, se comía el 28 de julio, en los años ‘30, ‘40, ‘50, se comía siempre. El arroz con pato que es un plato nacional, nace en el norte, en cada provincia la receta va mutando.
LOCHE. Para mí es el sabor de la cocina del norte, los Moches lo cultivan desde tiempos inmemoriales. Es una especie de zapallo, que se siembra con esquejes, hay todo un ritual que hacen los agricultores, esperan la luna llena, y se denomina lágrima de luna. Tu rallas un poquito, es como la trufa, es un gusto muy intenso, tú pasas por una casa y huele hasta la calle. Eso no lo he podido pasar acá a chile, por el SAG, hemos pasado pescados, ajíes, pero aún no el loche. Tiene denominación de origen, sólo se puede sembrar en 50 hectáreas, un sector que se llama Poma III, Moche total.
LIMÓN. El limón lo traen los españoles con la conquista, pero el que se cultiva en Perú, es un limón especial. El cítrico que encuentras en ese sabor es un balance entre el ácido y el sabor, el perfume del limón. Buscamos por todos lados como reemplazarlo, pero es muy difícil. Nosotros tenemos ochenta y tantos microclimas, entonces es un limón muy especial, hay una zona en el norte, Olmos, que es la productora de limón, ese es el terruño que le da un sabor especial
MURIQUE. Es un representante del mar peruano, desde el norte hasta la costa sur. El murique es un pescado muy escaso, muy exclusivo, finísimo, es el mero de los Moches, sólo está en la zona ecuatorial, que se va hasta japón.
ARROZ. Creo que somos el país que más consume arroz después de la China, el arroz aderezado. El arroz para mi es alucinante, llega con los chinos, en los ‘30, ‘40, ‘50. Los chinos llegan al norte de Lima, los traían para la agricultura, había una crisis horrorosa en la China, no había trabajo y en Perú se necesitaba agricultores. Llegan al norte de Lima, a Huaral específicamente, en barcos, al campo, casi como esclavos y traen el arroz. Supera a la papa, a la quinoa que es andina, hoy no hay un almuerzo si no hay arroz.
PAPA. La papa es un regalo de los andes, de la precordillera, en la sierra, que atraviesa todo el Perú, por eso tienes 5000 tipos, y te dan diferentes texturas, diferentes sabores para diferentes preparaciones, diferentes colores. En los mercados normales encuentras 10 tipos, las demás están en estudios, en museos, en semillas. Se cultivan principalmente en Cusco, en Puno, Ayacucho, gente especialista que trabaja las semillas, conservacionistas, además de los pueblos originarios y sus propias costumbre en torno a la papa. Cuando una chica se quiere casar con un chico tiene que convencer a la suegra y al suegro, pelando una papa que es una deformidad, una cosa que tiene varias protuberancias. En tiempo récord tiene que pelarla, para poder llevarse al marido y demostrar que está preparada para casarse. La papa es andina total, es fundamental, otro plato famoso es la causa, lleva papa, el lomo saltado también lleva papa, el ají de gallina también, todo tiene papa; los guisos, los estofados, tienes amarillas, blancas, rosadas, arenosas, más compactas, más aguachentas para diferentes preparaciones. Todo el año hay papas.
CV Galería Presenta: Momentos de Inspiración, los micro documentales de Claudio Marcone
CV Galería Presenta: Momentos de Inspiración, los micro documentales de Claudio Marcone
“Momentos de Inspiración” es una serie de micro documentales creados por el director Claudio Marcone, quien luego de años de trabajo en publicidad, ha comenzado a experimentar tanto en el cine documental como en el de ficción con su opera prima del 2015 “En la gama de los grises.”
Estos micro documentales responden a su interés y curiosidad por los procesos creativos de otros, del trabajo de las diferentes disciplinas y del halo que comienza a envolver a los creadores.
En CV Galería quisimos apoyar su trabajo ya que refleja y conecta con nuestro afán multidisciplinar y la pasión por el arte y la creatividad. Son 8 capítulos de 2 minutos app, que logran captar cierta esencia de estos grandes personajes de la escena nacional.
Director: Claudio Marcone Productor Ejecutivo: Sebastián Lavados Arte y Vestuario: Raquel Rebolledo Edición: Eduardo Lavados Fotografía y cámara: Sebastián Lavados Drone : Tito Varas Post Imagen: Luis Bertin Música: Cristián Schmidt Post de Audio: Michu Producción: Tantan films Presenta: CV Galeria Estreno por 13C/ Mayo 2019
Maite Alberdi: la directora de premiados documentales como La Once o Los Niños, nos cuenta sobre sus procesos creativos y lo que significa hacer cine documental “Es difícil en el documental darse cuenta cuándo una persona puede ser personaje, porque tiene que estar en un momento de la vida en el que le estén pasando cosas…hay momentos de la vida en que uno puede pasar de ser persona a ser personaje” “Como creadora me lo estoy preguntando todo el tiempo, qué tengo que hacer yo, como documentalista, para que mi película parezca una ficción sin alterar la realidad” “Mis películas hoy día son sobre el presente, pero en 20 años o 30 años van a ser un archivo de cómo era la sociedad hoy y de alguna manera, también van a ser un documento histórico, aunque hoy día no se lean así”
Orlando Gatica: gran diseñador y creador del interiorismo de nuestros restaurantes La Picantería y La Brasserie, nos cuenta en este capítulo de la serie de micro documentales “Momentos de Inspiración”, sobre la importancia de la luz y de cómo resolver los problemas de diseño. “Con el tiempo te das cuenta que el esfuerzo en los detalles requiere que lo acompañe la luz, tu puedes tener en un espacio grandes detalles o grandes complicaciones técnicas para poder generar algo, pero si la luz no acompaña, no lo pones en valor” “Las expectativas propias son los tormentos, son tormentos importantes, me acuesto, intento dormir, me levanto, empiezo a dar vueltas por la casa tratando de resolver cosas, buscando soluciones, me entretiene, es un tormento entretenido”
TeatroCinema: la experimentación teatral de este colectivo empezó en los años ’80 con la reconocida compañía La Troppa, la cual el 2005 se refunda con el nombre TeatroCinema para dar cuenta de su naturaleza multidisciplinar donde se cruzan elementos del teatro, cine y cómic. “Nosotros estamos yendo hacia algo que otros no quieren ir, ya sea por ignorancia o ya sea por decisión, yo no me muevo de acá, yo ya tengo esto, esto es el teatro, pero nosotros decimos el teatro no es estático, la relación con el espectador tiene que ver con la imaginación y con despertar su capacidad de ensoñación, de juego, de sueños” Juan Carlos Zagal, Dirección General. “En este momento TeatroCinema también es una mezcla generacional, aquí en esta nueva obra también van a haber más aportes de la nueva generación, porque hemos querido que también agarren el cuento desde la contemporaneidad en que están, entonces eso es lo colectivo, todos podemos estar en todo y empiezan a haber más habilidades de uno o de otro” Laura Pizarro, Actriz, Guionista
Teresa Moller: la reconocida paisajista nos habla de la naturaleza y nuestra estrecha relación con ella “Es muy importante entender que nuestro trabajo en el paisaje tiene que considerar el tiempo, es como lo opuesto a lo que está pasando hoy día en el mundo de la inmediatez, la naturaleza nos está recordando que la vida es un ciclo que empieza, termina, pero toma un tiempo para que lleguemos a donde queremos llegar” “Me he dado cuenta, a través de la mirada de los extranjeros, la sorpresa que ellos tienen de que en este país hay esta disponibilidad de territorio impresionante, de una belleza y de una cantidad de superficie intocada”
Pablo Nuñez: el diseñador teatral nos cuenta sobre sus procesos de creación para el vestuario y la escenografía de grandes obras de teatro, ballet y ópera. “Lo primero que me inspira es la obra en sí, el trabajo con el director, la visión que tiene de la obra y ese trabajo empieza desde que te dicen que vas a hacer el proyecto” “No hay receta ni nada, porque esa es la gracia que tiene este trabajo, es absolutamente cambiante, cada obra que te toca es un mundo diferente” “Para mí es muy importante la atmósfera, en general lo que tiene el ballet es que tu trabajas con la belleza y tu tienes que hacer que le gente sueñe”
Juana Gómez: la artista visual nos cuenta sobre sus procesos de creación y nos hace tomar consciencia de nuestra conexión con el todo. “Si tu empiezas a mirar tu ojo y ves las venas dentro del ojo es el mismo patrón, si ves tu arteria, tu vena cava como va ramificándose, es lo mismo cuando explota un volcán, la lava empieza también a agarrar el cauce del río. Por lo menos a mi me sobrecoge mucho que nosotros estamos como condicionados de la misma manera que se estructura la forma de un rayo en el cielo” “Siento que ya hay como una sobredosis de información entonces me importa que mi trabajo sea algo que deje algún mensaje, que conecte con ciertas ideas, que para mi son fundamentales de preservar”
Fernando Casasempere: el escultor nos habla sobre el uso de la arcilla como material y sobre la creación manual de las 6000 flores de porcelana que componen la obra “Migración”, creada site-specific para CV Galería. “Fue el material que yo elegí (la arcilla), porque creo que está enraizado absolutamente con nuestras culturas prehispánicas, con este continente” “El hacer cada una que son distintas, es mi labor y a mí no me interesa delegar, por eso tengo ayudantes cuando los necesito y no en el hacer, acá esta la huella de mi dedo…todas y cada una son distintas a la otra”
Cazú Zegers: la arquitecta nos habla de la intuición y del efecto de la buena arquitectura en las personas que la habitan “La intuición, entendida como esa especie de susurro de algo que te habla al oído y que uno lo agarra, porque muchas veces uno lo espanta, lo interesante de oírlo es que eso trae lo nuevo siempre” “El territorio es a América como los monumentos son a Europa y que acá en América Latina está todo por hacerse, lo que no hay que hacer es desmitificar el territorio, porque esa es la gallina de los huevos de oro”
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Migración de Fernando Casasempere: una obra que une sus mundos
Migración de Fernando Casasempere: una obra que une sus mundos
Por: Catalina Dib
Fernando Casasempere ha dicho persistentemente los temas, los espacios con los cuales trabaja; el mundo precolombino, el territorio chileno y su visión del mundo contemporáneo, formada en los 20 años que lleva viviendo en Londres. Es una mezcla muy interesante que lo posiciona de una manera singular, un trabajador de la tierra, un artesano del territorio, alguien que con su trabajo manual puede evocar la sensación que produce una zona, pero una zona que no es sólo paisaje, si no también cultura, culturas prehispánicas que ya pensaron y moldearon esa tierra centenares de años antes que Fernando. Pero claro, la forma en que él transmite este identidad y este territorio es totalmente contemporánea, se inserta en sus lenguajes, en el mundo conceptual, en el mundo de la instalación, de permear el espacio público.
La obra Migración instalada en CV Galería, une muchos aspectos de su obra en un punto de su carrera en la que ya se puede hablar de trayectoria, de recorrido o de un andar, como él quiso llamar su retrospectiva en el Bellas Artes. Con Migración, Fernando trae a CV Galería un trabajo con el espacio público depurado en Londres, en su gran exposición “Out of Sync” en la Somerset House, que luego fue trasladada a La Moneda, para terminar, de forma permanente, en el desierto de Atacama. Entonces el espacio, la amplitud y el diálogo de la obra con la ciudad y con los ciudadanos, es algo que el artista ya estaba trabajando y que en Migración, lo ofrece de una manera suave y depurada, lo ofrece como un regalo al visitante de CV, un regalo a su movimiento por la ciudad y a sus sensaciones cotidianas.
La originalidad de Migración proviene del cambio en el material, lo que nos habla del camino que ha hecho el artista. Casasempere tuvo un enorme reconocimiento por su trabajo con los relaves mineros del cobre, podríamos incluso hablar de cierta marca de él, además un material que lo conecta con el Land Art, con los temas ecológicos, con cierta denuncia a lo que está sucediendo en Chile con la extracción minera y la contaminación que ha generado en el norte. Pero en Migración nos sorprende con un material alejado de esta tierra, de esta identidad que él tanto busca, nos entrega porcelana blanca, suave y bella como la sofisticada porcelana china. Entonces ahí se genera una ruptura que nos habla del atrevimiento de Casasempere y de sus ganas de siempre salir de la zona de confort. La porcelana y el trabajo con ella, es algo que aprendió de sus años viviendo en Europa y que, haciendo el juego inverso con los relaves del norte que se llevó a Londres, la trae a Chile, a un edificio en Santiago.
Casasempere hizo a mano las 6 mil flores que cuelgan del Nivel Botánica de CV Galería, su dedo, la forma de su mano, está impresa en cada una. Es su instalación más grande a la fecha y nos acompaña de forma permanente, en una obra que une sus mundos y que nos entrega una belleza sublime cada vez que disfrutamos de este espacio.
Acá además te dejamos un video donde el artista explica el proceso de creación de esta obra
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Cuándo y dónde nace el concepto de LOFT: la casa/instalación de Donald Judd en el SoHo (segunda parte)
Cuándo y dónde nace el concepto de LOFT: la casa/instalación de Donald Judd en el SoHo de Nueva York (segunda parte)
Por: Catalina Dib
Esta historia es la continuación de la primera parte
Cuando Donald Judd compró el edificio en Spring Street 101, Nueva York, aún habían máquinas de coser adosadas al piso (hoy se pueden ver los agujeros en la madera) e incluso algunas mujeres trabajando, lo que quedaba de la rebosante industria textil. Judd se fue a vivir con su hijo Flavin de alrededor de dos años y su mujer la bailarina Julie Finch, poco después nació su hija Rainer, hoy ambos directores de la Fundación Judd y encargados del legado de su padre, quien murió tempranamente de cáncer el año 1994 y quien dejó meticulosamente estipulado lo que quería que sucediera con sus propiedades (la gran mayoría en Marfa, Texas), sus obras y su visión de mundo.
Con esto en mente, los hermanos lograron recolectar 23 millones de dólares para la renovación del edificio, terminada en 2013, la cual dejó casi intacta la forma en que Judd concibió el espacio. El primer piso es una galería para exhibir a otros artistas, en los inicios tenía su estudio ahí, pero se aburrió de la cantidad de amigos y paseantes que lo interrumpían de su trabajo diario.
En el segundo piso, Judd proyectó el espacio de cocina y estar, y es acá donde uno no puede dejar de pensar en Pinterest y la cantidad de imágenes juddianas que aparecen al buscar Loft. Es como el sueño del loft neoyorkino hecho realidad, aunque Flavin siempre cuenta en sus entrevistas que todo el romanticismo terminaba en el momento en que llegaba el invierno y morían de frío por vivir de forma experimental en una ex-fábrica sin las comodidades necesarias para una familia con niños pequeños.
En el tercer piso estaba su estudio. El espacio está dominado por un enorme cubo de metal, obra de Judd, más su mesa de dibujo y algunos muebles del arquitecto y diseñador finlandés, Alvar Aalto. En el cuarto piso hay muebles diseñados por él y otras obras de arte en un espacio que él pensaba como de meditación e intelectualidad. El segundo impacto de este lugar llega con el último piso; el dormitorio. En un espacio de enormes proporciones, hay una plataforma de madera, creada por el artista como cama, donde caben dos colchones de dos plazas, con conexión eléctrica a la mano. En la pared de espalda a la cama hay una obra de John Chamberlain, uno de sus autos chocados que sobresale de la pared. Lo más impresionante es una obra de Dan Flavin, su gran amigo, creada site-specific, que corre a lo largo de la habitación en una serialidad de tubos fluorescentes, que imita la serialidad de las ventanas de hierro.
Acá también encontramos unos mini espacios que hizo para sus hijos, con pequeños rincones y un readymade de Duchamp. Además construyó unos walking closet con lavamano incluido, diseñados por él en acero inoxidable, los que mandó a hacer al mismo fabricante industrial que le hacía sus obras.
Para conocer el alucinante hogar de Donald Judd y de paso entender el origen del concepto Loft, es necesario reservar una visita guiada. Encuentra toda la información aquí
48 horas de ruta cultural y arquitectura en Sao Paulo
48 horas de ruta cultural y arquitectura en Sao Paulo
Por: Catalina Dib
Lo primero que llama la atención al recorrer Sao Paulo es que casi no hay turistas. Los paulistas viven en una ciudad con más habitantes que todo Chile y parecen tener suficiente con eso; todo comienza y termina en Sao Paulo, o al menos en Brasil. Con su tamaño gigantesco y pocos barrios caminables, no parece amable a primera vista, el turista clásico pasa directamente a todos los otros tanto destinos paradisíacos que ofrece el país.
Pero ir a Sao Paulo es entrar en el corazón de la modernidad brasileña. Hace recordar el Manifiesto Antropófago de 1928, del poeta Oswald de Andrade, donde propone la hibridación de la cultura, tragar las tradiciones culturales europeas con cuerpo brasileño. La arquitectura paulista es un gran ejemplo de esto, parece haberse tragado el modernismo europeo para entregar algo totalmente idiosincrático. Te invitamos a descubrirlo
Día 1
Casa de Vidrio por Lina Bo Bardi
Partamos el día con la famosa Casa de Vidrio, la primera obra construida de Lina Bo Bardi y su propio hogar hasta su muerte. La casa se ubica en el barrio de Morumbi, en ese minuto un lugar periférico y hoy, famoso por sus mansiones y condominios de lujo. Su diseño, efectuado a solo 4 años de llegar a Brasil, contiene remanentes de las sensibilidades europeas que traía consigo desde su Italia natal. Es un volumen de vidrio muy acorde a las ideas de Mies van der Rohe, con un gran espacio abierto y vidriado que se une al frondoso exterior. La casa flota, en una bella liviandad, sobre delgados pilares que la sostienen del terreno en pendiente.
La fresca cerámica color turquesa, utilizada en el piso, junto con su colección de arte popular brasileño, la acercan de inmediato a un temperamento creativo sudamericano, que se fusiona con ese racionalismo puro europeo. En 1995, a tres años de la muerte de Lina, su marido donó la casa para que fuese la sede del Instituto Lina Bo y P.M Bardi, rol que ocupa hasta el día de hoy.
Mica Restaurant
El restaurant Mica es un pequeño y taquillero local, diseñado por Marina Portolano, ubicado en una calle llena de bares en el barrio de Pinheiros. Es el resto que alimentó a los amantes del arte en la Bienal del 2018. Nutre su concepto gastronómico con las preparaciones típicas de Japón, Vietnam y Tailandia.
Parque Ibirapuiera
Para la tarde, este enorme parque se convierte en el lugar perfecto. Fue concebido por el gobernador de Sao Paulo en el marco del IV Centenario de la ciudad e inaugurado en 1954. Lo que lo hace único es que la arquitectura fue encargada a Oscar Niemeyer, quien en un gesto curioso desplegó edificios que asemejan esculturas gigantes en medio del verde tropical.
Quizás una de las visuales más impactante es la entrada principal, en la que te encuentras con dos estructuras blanco albo de aspecto futurista sesentero. Una es la Oca, un lugar para exposiciones con forma de platillo volador, y la otra, el auditorio, con una forma más recta y una extraña lengua roja.
De ahí mismo se alcanza a divisar otro emblemático edificio de Niemeyer, el Pabellón de la Bienal, una estructura de líneas modernistas clásicas, vidriada y de forma rectangular. En los años pares se monta acá la Bienal de Arte de Sao Paulo y en los impares la Bienal de Arquitectura. Además, dos veces al año se convierte en la sede del Sao Paulo Fashion.
Bar Obelisco, Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo
Para el relajo después de un día lleno de información, el mejor spot es el recién inaugurado Bar Obelisco, alojado en el roof top del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo, cuyo edificio también es obra de Oscar Niemeyer.
Para llegar desde el parque hay que cruzar una pasarela elevada que atraviesa varias autopistas, paras un rato, miras los millones de autos movilizándose, luego subes al techo, miras la ciudad que se pierde en el horizonte y te das cuenta de la magnitud de la urbe paulista.
Día 2
Coffee Lab
Para empezar el día, Coffee Lab en el barrio de Vila Madalena es lo máximo. Tiene un patio exterior sombreado y cafés preparados en modo laboratorio por dedicados baristas.
MASP
El Museo de Arte de Sao Paulo queda sobre la Avenida Paulista, una de las calles más famosas de Sao Paulo, que los fines de semana se transforma en una fiesta peatonal. La historia de este museo es muy interesante. Comienza cuando el magnate de las comunicaciones brasileño Assis Chateaubriand, le encarga al italiano Pietro Maria Bardi la creación de un museo que mezclara distintos tipos de arte. Pietro, conocido crítico de arte y coleccionista muy bien contactado, compró en Europa obras maestras a precios post Segunda Guerra Mundial, creando con esto una colección de nivel mundial.
La arquitectura, a manos de Lina Bo Bardi (mujer de Pietro), crea un volumen que parece suspendido en el aire por dos pilares rojos, pero lejos lo más especial de este museo, es el modo único en que Lina concibió la museografía. En el segundo piso, se puede apreciar la colección permanente, con cuadros de Rafael, Rembrandt y Picasso flotando en lo que parece un bosque de obras de arte. El soporte de las obras consiste en un bloque de cemento que sostiene entre vidrios la pintura, esto permite ver el reverso de los cuadros, lo que rompe con todas las tradiciones de exhibición de la pintura europea.
Sesc 24 de Maio
Siguiendo en este recorrido alucinante de arquitectura paulista, llegamos a una obra maestra del Pritzker Paulo Mendes da Rocha; el Sesc 24 de Maio. Los Sesc son una institución brasileña fundada el año 1946, en una acción conjunta entre la industria y el estado para promover la salud de los trabajadores a través del ocio y el deporte. Hacia los años ‘60 la contracultura brasileña quiso impregnar de un concepto más cultural a los Sesc.
El Sesc 24 de Maio recoge estos conceptos en sus 6 pisos, con espacios para el ocio (bellamente llamado Plaza de Convivencia), restaurante, biblioteca, sala de exposiciones, consultas odontológicas y gimnasio, coronado por una espectacular piscina en el techo. Todo con mobiliario diseñado especialmente para el proyecto.
La experiencia de estar en medio del centro de Sao Paulo, con su decadencia y su bullicio para de pronto entrar a un oasis de concreto, agua y luz natural, es lo que conmueve de este lugar pensado para las personas.
Teatro Oficina
Es imposible ir a Sao Paulo y no salir siendo fanático de Lina Bo Bardi. Este recorrido comienza y termina con una obra de ella, porque su influencia en la cultura brasileña contemporánea es enorme y crece día a día. El Teatro Oficina, es una de sus últimas obras, terminada en 1994. Es un teatro experimental, que desde su arquitectura hace un quiebre con las estructuras típicas de la disciplina, acá no hay anfiteatro sino vidrio, andamios, una calle y vegetación. Ver cualquier obra en este espacio es una experiencia diferente.
Izakaya Issa, Liberdade
Para terminar, nada mejor que trasladarse al barrio Liberdade, la comunidad japonesa más grande del mundo fuera de Japón. Entre calles iluminadas con los típicos faroles japoneses se encuentra el restaurante Izakaya Issa, que es de esos que se entra a través de dos telas, luego te sacas los zapatos y comes con palitos.
La ruta que proponemos está pensada con cierta cercanía geográfica entre puntos sin embargo, nada es caminable! Lo ideal es movilizarse en Uber que funciona perfecto.
La Pasión Mueve Montañas, Alejandra Prieto
La Pasión Mueve Montañas, Alejandra Prieto
Esta artista es una de las grandes apuestas chilenas del arte internacional. Su trabajo ha demostrado desde sus inicios excelencia, creatividad y pasión, evolucionando constantemente, como solo los grandes creadores pueden hacerlo. Actualmente exhibe un gran espejo de carbón en el National Museum of the Women in the Arts, en Washington DC., como parte de programa de difusión de talentos femeninos que promueve el Capítulo Chileno de esa institución.
Por Felipe Forteza
Instalada en colecciones tan relevantes como las de Saatchi Gallery en Londres y Pérez Museum en Miami, Alejandra, (38) va traspasando fronteras como una exploradora, que avanza con pequeños pero seguros pasos hacia la definitiva internacionalización de su carrera. Ha realizado residencias, participado en ferias, bienales y expuesto en Cuba, México, Estados Unidos, Colombia y España, entre muchos otros lugares. Aparte de lo coherente de su trabajo, su talento es el motor que genera su peregrinaje hacia los mercados extranjeros, con sagacidad y humildad. Chile le quedó chico hace rato, entendiendo que hoy, en un mundo globalizado, los creadores que no entiendan esto y vuelen hacia diversos extremos del planeta, sucumbirán en un espacio comercial limitado como el chileno, al que le ha costado despegar y generar una masa relevante de coleccionistas dispuestos a adquirir obras a precios justos, que permitan la sobrevivencia de sus gestores.
Su trabajo partió de la mano de un material poco apreciado: el carbón mineral. Obras de gran precisión y trabajo investigativo le permitieron la creación de piezas como un pañuelo Hermes, zapatillas Nike, el conocido exprimidor de Philip Stark- Juicy Salif- grandes espejos o unos rangosos guantes que marcaron para siempre la actuación de Prieto en el arte. Siendo una crítica social sobre la extracción de este metal, donde acaudalados empresarios a mediados del siglo XIX hicieron enormes fortunas gracias al arduo trabajo de hombres que dejaron sus vidas en las minas, la artista mezcló magistralmente lujo y abuso. Pero esta es solo parte de la historia. Como olvidar la serie fotográfica, a modo de parodia, en qué representó objetos de famosos diseñadores con materiales perecederos, como chocolates, salchichas o terrones de azúcar.
Alejandra no deja de crecer. La pirita, material que sale del relave del cobre, e hizo tontos a avezados buscadores de oro, la cautivó. Espejos dorados – los primeros que existieron en Egipto- son su nueva creación, pero Alejandra también ha ido ramificando su trabajo hacia el video y el cortometraje. “Con un gran equipo de producción he ido generando un guion para un cortometraje, que relaciona a los metales que se encuentran dentro y fuera del cuerpo. Quiero presentarlo en el cine y en distintos festivales”.
“El carbón me fue llevando a nuevas ideas y nuevos materiales, como el litio que es el futuro de Chile, por la energía que produce, o la dimensión humana en que actúa, como un estabilizador de estados bipolares. Con estos y otros materiales puedo desarrollar objetos bonitos y hasta poéticos, pero busco ir más allá, dar a conocer que los metales son parte de nosotros y el mundo que nos rodea” En octubre expondrá en la Saatchi Gallery, en Londres, en la Sala de Arte Público Siqueiros, en el DF de México, y posiblemente en la galería Revolver, en Perú. “Actualmente estoy desarrollando esculturas de figuras humanas, a través de un mix de materiales, donde los resalto ligándolos al cuerpo a modo de prótesis metálicas o como extensiones de éste, como si fueran un celular hecho de partes de metal. De esta forma se van fundiendo piezas en el cuerpo, y se va concluyendo como éstas afectan la tecnología y la humanidad.
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No es Cuestión de Genero, Juvenal Barría
No es Cuestión de Género, Juvenal Barría
La mujer fantástica no solamente ganó el Oscar. Levanto un tema que para muchos es incómodo, permitiendo visibilizar la realidad de personas únicas y valientes que enfrentan cada día miradas curiosas de una sociedad que no entiende la diversidad y el valor que ésta tiene, inclusive para el arte. La muestra de Juvenal Barría, ganadora del premio a la mejor exposición de Galeria Weekend, aborda este tema, como también la soledad, la desclasificación y la lucha de clases.
Por Felipe Forteza
Juvenal (39) proviene de Chiloé. Vive en Valparaíso y viene a exponer a Santiago. Un periplo que no es solo geográfico, sino también emocional y profesional. El artista visual y gestor Licenciado en Arte de la Universidad de Playa Ancha, presenta la muestra INFILTRADAX, en Isabel Croxatto Galería. Presente y pasado se funden a través del personaje alter ego del artista: La Martuca. Una nana histriónica que el creador incorpora en la serie “Ficciones Exteriores”, formada por vetustas diapositivas encontradas en mercados que registran el viaje de una solitaria mujer por diferentes ciudades del mundo, entre los años 60 y 70. En este recorrido el artista utiliza el travestismo como herramienta de crítica social, apropiándose de imágenes que no son suyas y otorgándoles un nuevo significado.
Lo que podría parecer una parodia, es el nítido reflejo de una sociedad que reiterativamente nos etiqueta, en este caso a la patrona como a la infiltrada, dando a cada una la identidad que debiera corresponderle de acuerdo a su jerarquía social: amo y vasallo. Asimismo, los conceptos de género -hombre y mujer- se ven cuestionados a través del personaje creado por Barría en su video performance Martuca is alive. En el vemos a un hombre transformarse en mujer a través de simples esponjas que se convierten en sus pechos y una despeinada peluca, además de su vestuario de trabajo doméstico. En su video Antropología del servicio, el artista presenta 2 imágenes contradictorias. La nana haciendo la cama y la misma tirada en ella con abrigo y collar de perlas. La última representa una mujer insurrecta frente usos y costumbres, principios que rigen el comportamiento social.
En ambos el artista nos invita a reflexionar y cuestionar el orden social, la discriminación, la inclusión, la soledad y el derecho a vivir en libertad, pero también sobre factores axiomáticos, como la lealtad y lo que el autor logra traspasar en cada una de sus imágenes: un humor a toda prueba, sea como Juvenal o Martuca.
El personaje travesti “la nana” nace en 2007, como parte del trabajo que el artista lleva a cabo hace años. El marco teórico con que nutre su trabajo se basa en los pensamientos de Jean Baudrillard (Cultura y Simulacro, 1977). Como el mismo explica “me interesa evidenciar la experiencia del simulacro de vida desde varios puntos, partiendo desde el travestismo como concepto visual y la transformación como eje de declaración y transgresión. Sobre lo trans, me interesa ahondar en la teoría Queer y la filosofía del género, temáticas que ha desarrollado Paul Beatriz Preciado en su Manifiesto Contrasexual, (2002). En él reflexiona sobre las identidades y las construcciones sociales. Asimismo, las ideas que atraviesan mi producción están influenciadas por mi historia personal, por mi orientación sexual y origen étnico huilliche”.
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