Territorio Compartido
Territorio Compartido
Territorio Compartido
Esta exposición se configura desde la respuesta de los artistas al llamado de representar lugares de Chile, para crear este espacio donde nos podamos sentir orgullosos de nuestra tierra, unidos, revalorarando su diversidad y riqueza.
El territorio – paisaje es un espacio al que todos nos enfrentamos, al espacio público, al espacio natural, al espacio rural, al espacio urbano, al espacio cultural; son lugares que dialogan con nosotros y nos invitan a ser parte de él o no.
La muestra busca generar un mapa visual de nuestro territorio – país, donde los artistas crean un diálogo a través de sus obras, mostrando distintas técnicas visuales.
Nos importa nuestra tierra. A través de las obras que componen esta exhibición, nos aproximamos a percibir nuestras elevaciones, a visibilizar la naturaleza a partir de abstracciones, jugando con el color, mostrando imágenes que añoramos o participando de la simple realidad que nos es conocida, para compartir este territorio que habitamos y con el cual estamos inexorablemente entrelazados.
En la exposición participan los siguientes artistas, a quienes agradecermos su visión y pasión en la realización de cada una de sus obras: Florencia Pozo, Sol Guillon, Francisco Ubilla, Inés Campino, Tola Navarro, Tatiana Moya, Fernanda Saldivia, Alejandra Delfau, Antonia Johnson, Constanza Coo, Lucía Balbontín, María José Mir, Pablo Valenzuela, Alex Chellew, Cristián Aninat, Paula Ceroni, Camila Jofré, Lourdes Naveillan, Gonzalo Saiz, Manuel Ugarte, María Ignacia Fell, Totoy Zamudio, Ximena Cousiño, Maureen Corvalán, Francisca Correa, Josefina Frederick, Paulina Cerda, Cata Perl, Consuelo Walker, Malu Stewart, Guadalupe Valdés, Tomasa Wormull, Patricia Astorga, Macarena Alvarado y Constanza Vergara.
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Futuro Esplendor- Germán Tagle Aninat Galería
"Futuro esplendor" | Germán Tagle
Por Aninat Galería
Después de cuatro años de investigación, análisis de procesos pictóricos y búsqueda de diferentes materiales, el artista Germán Tagle, irrumpe con dos exhibiciones individuales, donde pone énfasis en el paisaje y los sistemas abusivos a los que es sometido.
La muestra “Futuro Esplendor”, es un análisis y opinión crítica a la industrialización y las consecuencias de la productividad al que se somete el paisaje hoy, una alerta a buscar nuevos sistemas para relacionarnos con el medio ambiente.
Estas observaciones son parte de la muestra “Futuro Esplendor”, compuesta por 30 trabajos (9 pinturas y 21 trabajos técnica mixta), que inaugura el martes 27 de julio en Galería Aninat.
Luego a fin de año la muestra viaja a europa y será presentada en la prestigiosa Galería Daniel Cuevas, España.
163”, acrílico sobre fotografía impresa en tela, 2021
El Artista Frente al paisaje y su entorno
Germán Tagle construye una narrativa que reflexiona en torno a la desmedida elaboración de productos de consumo y como luego estos objetos se relacionan y destruyen el medio ambiente. La exhibición “Futuro Esplendor”, analiza como la intervención del hombre en el paisaje a perseguido solo el fin de la producción sin tomar el tiempo a analizar como se relaciona la naturaleza con su entorno y la diversidad que existe en sus ecosistemas. El artista pone especial atención al ejercicio que hacemos como sociedad de homologar el paisaje sin respetar y escuchar los procesos del medio ambiente. En palabras del curador, Rodolfo Andaur, Tagle, critica y pone en evidencia; “la explotación de grandes volúmenes de recursos naturales que se explotan como commodities y generan economías de enclave, lo que es denominado como extractivismo. Estas prácticas presentan una ocupación intensa del territorio provocando consecuencias graves e irreversibles, anulando las tradiciones ancestrales y degradando ecosistemas que difícilmente pueden recuperarse”.
“97”, acrílico sobre fotografía impresa en tela, 2021.
Germán Tagle, reflexiona sobre el abuso de los recursos naturales y propone una serie de imágenes que señalan, la actual degradación que sufren los diferentes pisos ecológicos producto de la fuerza geológica del ser humano, un hecho que ha provocado el innegable deterioro del paisaje. El artista analiza y utiliza imágenes de la historia de la pintura para desarticular la tradición simbólica y forma pictórica incorporando elementos industriales en sus trabajos.
“La critica al sistema neoliberal, pone en evidencia como este modelo pretende que los paisajes sean homologados solo, a un bien de consumo”, asegura el artista. “La coyuntura esta en los ambientes naturales ya fatigados por la irrupción de las transnacionales” Mis trabajos, “inspiran hacia una plástica reflexiva sobre las deformaciones que han sufrido los ecosistemas”.
De esta manera, la ecuación extractivista que señala Germán Tagle, está centrada en abrir un diálogo, sobre el uso de los recursos naturales finitos y resolver nuevos modelos para la producción y distribución de los recursos.
Las pinturas son, fruto de una tensión entre el agotamiento que ha sufrido la naturaleza por el mal manejo humano y los paisajes que Tagle ha (re)construido y (re)producido a lo largo de su carrera. Una reflexión ininterrumpida entre su modo particular de producir con elementos manufactureros como: telas y pigmentos industriales, periódicos, utilizando texturas y pinturas para intervenir las imágenes.
“103”, acrílico sobre fotografía impresa en tela, 2021.
Germán Tagle Domínguez, pintor. Nació el 30 de Junio de 1976, en Santiago, Chile. Durante el 2004, vivió en Buenos Aires, Argentina, y luego, desde el 2005 hasta el 2009, vivió y trabajó en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos. A fines del 2009, regresó a Chile.
Entre los años 1995 y 1999, estudió Arquitectura en la Universidad Finis Terrae, carrera que dejó, e ingresó el año 2000 a estudiar Licenciatura en Arte en la misma Universidad. El 2002, realizó un Diplomado de Artes Visuales, en la UNIACC. El año 2005, realizó el Diplomado en Moldería, Arcilla y Resina, dictado por el Centro de Extensión IUNA, en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Posteriormente, el 2008, asistió al programa Emerge 10 en el Aljira Center for Contemporary Art, Newark, New Jersey, Estados Unidos.
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El orgullo gay a través de la historia del arte
El orgullo gay a través de la historia del arte
CV Galería es un espacio de espíritu amplio, donde todas y todos son bienvenidos. Esta aseveración es parte de nuestro ADN, que fomenta la inclusividad y las libertades personales. Asimismo, el arte nos conmueve y fortalece, incentivándonos a que forme parte de todos nuestros espacios y experiencias. El arte gay no es una excepción. Ha impregnado a toda la historia de la humanidad, desde los antiguos maestros hasta la época contemporánea. Dentro del rubro cultural, ha sido exhibida en su condición más pura y natural, mostrando desde el arte, los rasgos y detalles de la singularidad que la compone.
CV Galería presenta una selección de arte gay, ejecutado en gran parte por la comunidad LGBT+. De esta forma celebra el día del orgullo gay, a través de su historia y talento. A lo largo de los siglos, la cultura gai, término que tiene su origen en el francés gay, entendiéndose como aquél que expresa un carácter alegre, ha sido permitida, prohibida, perseguida o tolerada. Durante siglos, los artistas se han dedicado a plasmar en sus obras la realidad del día a día, creando piezas en las que de una forma la homosexualidad ha estado presente.
Desde el antiguo Egipto, donde una pareja de peluqueros fueron representados en la tumba en la que están enterrados con elementos de arte de contenido homosexual, han sido creadas obras de mayor o menor cercanía al tema. En la Antigua Grecia, la homosexualidad era totalmente aceptada y fue representada en infinidad de vasijas de este período. El Imperio Romano tampoco distaba mucho de la Grecia clásica en lo que respecta a la permisividad de las relaciones de este tipo.
Con la caída del Imperio Romano, Europa retrocedió en el tiempo y vivió una época de oscuridad total, en la que la moral religiosa hizo desaparecer cualquier tipo de referencia a la homosexualidad en el arte. No es hasta el Renacimiento cuando la sensualidad y el desnudo, en principio heterosexual, y luego homosexual, comienzan a reaparecer tímidamente en diferentes puntos de Europa. Imposible no destacar los desnudos de los artistas renacentistas, con su vuelta a los modelos clásicos, o los desnudos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.
En la ciudad de Florencia los artistas comienzan a crear obras con contenido gay, con motivos que están situados disimuladamente al borde de los cuadros, al margen de la escena principal. También de esta época son muchas las escenas de este tipo que después se convertirían en un ícono gay, como el martirio de San Sebastián.
No será hasta llegados del siglo XX, cuando la realidad gay es plasmada con total libertad en el arte contemporáneo. Autores como Ingrés o Coubert, con la que fue una de las primeras escenas lésbicas, el ‘Male Couple’ de Andy Warhol, o los jóvenes de David Hockney, plasman en sus obras este tema.
Aunque en nuestra época se maneje el discurso de la inclusión y de diversidad sexual como algo moderno y “aceptado”, es bien sabido que la homosexualidad siempre ha existido y ha sido vista con recelo. Con el creciente poder de las ideas religiosas, el enfoque del mundo gay cambió por completo, siendo condenado por violar el derecho natural de Dios, lo que explica por qué Dante incluyó a los “sodomitas” en el séptimo círculo del Infierno, junto con otras personas violentas.
Por supuesto siempre ha existido apertura y privilegio en la élite, tal es el caso de Miguel Ángel o Leonardo DaVinci. Con la liberación del siglo XX, se generó una verdadera revolución. Los artistas empezaron a “salir del clóset”, y se abrieron a hablar del tema a través del arte, aunque tuvieran que luchar contra la censura y los dobles discursos.
Andy Warhol, el artista ícono americano, borró los límites entre el arte y la publicidad, sin evitar ningún tema. Sus obras estuvieron fuertemente influenciadas por la cultura gay clandestina. Por su parte, la fotógrafa Annie Leibovitz ha producido retratos íntimos y a menudo provocativos, como el audaz retrato de un John Lennon desnudo envuelto alrededor de Yoko Ono, tomado pocas horas antes de la muerte de Lennon. Sus retratos más personales revelan a una artista gay cuyo trabajo es un estandarte de esa cultura.
Otro gran ejemplo es Keith Haring. Fue un talentoso artista pop que dedicó su carrera a llevar el arte gay a las masas. Entre 1980 y 1985, Haring creó dibujos innovadores en paneles publicitarios negros vacíos, en el metro de Nueva York. Sus imágenes coloridas, provocativas y con conciencia social forman una parte importante de la historia del simbolismo gay.
América latina no ha estado ausente en este arte. Frida Khalo fue una de sus mayores exponentes. Siendo abiertamente bisexual, su trabajo fortaleció la cultura artística gay. Hoy son muchos los creadores que siéndolo, sus obras abordan o no esta temática, lo que ha ayudado a abrir la mente para dejar de estigmatizar a la comunidad LBGT+.
Todos estos artistas, mediando muchos siglos entre ellos, nos comprueban que la creatividad ha tenido un gran papel en el arte, fortaleciendo con su mirada la estética, la apertura y la inclusión.
Felipe Forteza
Curador
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Entrevista Jose Juan Powditch
Entrevista a José Juan Powditch
José Juan, desde muy niño observaba la práctica del crochet, heredada por su familia de generación tras generación. Ejecutada exclusivamente por mujeres, esta expresión artística le llamaba vigorosamente la atención, en especial por el desarrollo de cuerpos complejos a partir de una simple hebra.
Por ser hombre, no se le permitía practicarla, generando una represión pasiva y social respecto al hecho de su género. Desde este cuestionamiento y una involuntaria discriminación, el creador comienza a generar su obra, reflexionando en torno a los roles de género, sumado a una genuina admiración por este ejercicio.
Desde ahí, “hurta” la práctica y la idea, llevando esta manualidad artesanal hacia el objeto de arte por medio del papel gofrado, logrando inmortalizar el recuerdo de infancia, y donde la relevancia del proceso del tejido es tan importante como honrar y mantener viva la herencia de su linaje.
Te invitamos a leer la entrevista que le hicimos al joven artista José Juan Powditch, para conocer más acerca de su trabajo. Donde honra las técnicas del colectivo nacional, como es en este caso el tejido a crochet, junto a las mujeres de su familia y a las de su país.
1.¿Cómo comenzó tu camino artístico?
Mi camino y encuentro con el arte comenzó desde muy pequeño. Mi madre es artista visual especializada en acuarela, y muy cercana a las artes decorativas, como el bordado, el tejido y la costura, entre otros.
2. ¿Cómo fuiste encontrando tu estilo?
Mi estilo se fue forjando en la universidad, por un interés en diversos materiales. En el caso del papel, me llamó la atención sus cualidades. Me cuestioné hasta dónde se puede llegar con él
3. ¿Cuál es el aporte y legado que te gustaría dejar en la exposición en Secret Gallery “Lo que no se hereda, se hurta” ?
Me gustaría que se perciba la unión de las artes decorativas en relación al arte contemporáneo, y en cómo la biografía del artista y la realidad de éste, forma parte de la misma creación de sus obras
4. ¿Qué mensaje te gustaría dejar a los espectadores?
Me gustaría que percibieran la intimidad con que hago mis obras y honrar a las mujeres con las técnicas del colectivo nacional, como es el tejido a crochet.
5. ¿Qué te gustaría provocar con esta exposición?
Quiero cuestionar la relación del arte y los roles de género, los que están instaurados en nuestra cultura popular. Aportando con el papel, para así inmortalizar el tejido a crochet. Esta muestra “Lo que no se hereda, se hurta” busca honrar por medio del papel gofrado la práctica de las mujeres de mi familia, que ha sido heredada por generaciones.
6. Cuéntanos un poco más de las obras. ¿Cómo es la producción?
La creación de mis obras comienza con un análisis de las técnicas del crochet y del papel.
En primer lugar, exploro la técnica del tejido a crochet y las posibilidades manuales del papel, para luego exhibir las variables y el resultado de cada una de las obras. Este proceso logra generar obras únicas, ya que la fragilidad del papel genera cicatrices en la obra, dándoles una impronta particular a cada creación.
7. ¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
Yo creo que el arte es una muestra de las diferentes realidades de cada uno. Por ejemplo, en mi caso es mostrar en una exposición muy íntima, una realidad vivida en relación a los roles de género y el poder femenino en mi entorno.
El arte para la sociedad es vital, ya que éste es una ventana para transmitir emociones y diferentes puntos de vista, en torno a las problemáticas sociales.
8. ¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?
La elección de CV Galería se gestó en común acuerdo entre el espacio y mi trabajo. Me interesa exhibir en lugares que se vinculen con diversos tipos de oficios, como es el caso de este lugar, donde además del arte, se vincula con la gastronomía, el diseño, la arquitectura y la botánica. Todas estas expresiones se relacionan a la estética, generando una rica retroalimentación en los diferentes ámbitos.
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Entrevista Daphne Anastassiou
Entrevista a Daphne Anastassiou Mustakis
Daphne Anastassiou, artista visual , nacida en Viña del Mar y de origen griego, se define como una
persona que tiene sueños, emociones, fortalezas y vulnerabilidades. En resumen, una mujer con un
alma en evolución, curiosa y con una naturaleza que cree mucho en el potencial del ser humano.
La artista nos invita a ver su exposición “Un mundo sin fin”, en CV Galería.
Un espacio para sumergirse en una variedad de estímulos que te llevan a ahondar en mundos dentro de cada uno. Con una paleta de colores pasteles o una intensa gama de azules y verdes, sumados a prístinas esculturas blancas dan forma a una exposición intensa, donde la figura humana, lo aparente y lo subliminal son parte de su imaginario, tanto como lo son la proyección de círculos a los que da vida con un ritmo frenético e infinito, invitando al espectador a adentrarse en su mundo, uno de sensaciones y sanaciones, de gritos y murmullos, de vida y lejanía, recordando que somos seres creadores de nuestras vidas.
Te invitamos a leer la entrevista a la artista Daphne Anastassiou y conocer un poco más acerca de la
artista.
¿Cuál es tu estilo?
Un estilo expresivo libre, que emana de la intuición y la conexión con todo. Fluye a través de mi, luego veo la obra terminada y me susurran su mensaje.
¿Cómo fuiste desarrollando tu estilo?
En general es libre. Desde chica tuve la suerte de tener una mamá artista que me dejaba entrar a su
taller, podía jugar y crear junto a ella.
Asistí a talleres con Michele Cassou (artista Francesa), quien tenía como método pintar y desarrollar
la expresión desde el punto zero. Un método bien revolucionario para desbloquear el potencial
creativo individual. Yo ya lo venía haciendo a partir de una simple meditación. Todo unió fuerza y
saque más libremente lo mio, llegando a crear desde una expresión intuitiva mágica.
¿Que encuentras en la exposición UN MUNDO SIN FIN?
Una variedad de estímulos que te llevan a ahondar en mundos dentro de ti. Las obras hablan y a cada cual le llega de diferentes maneras según su proceso interno. Muy importante es no analizarlos, sino solamente dejarse llevar por los colores y sentirlo. En general estamos en la mente. El arte es para sentirlo y abrirse a disfrutarlo, que nos susurra constantemente.
¿Qué mensaje te gustaría entregar en la exposición?
Es una invitación a viajar hacia nuestra esencia divina, donde estamos la mayor parte del tiempo en
el mundo externo. Esta exposición busca contactarte con lo invisible, con las sensaciones, con ese
vacío que lo contiene todo.
Quiero invitar a reflexionar sobre diversos temas como las inseguridades, los roles, dejar atrás las
creencias limitantes. A abrirnos y expandirnos en el amor. Al fin y al cabo todos somos seres de luz
que estamos conectados. Entender que la vida es un círculo, un espiral continuo, donde hay que
fluir, crecer, evolucionar, sin tanto sufrimiento y aceptarnos para así poder expandirnos.
Las pinturas son musicales y lúdicas, es por eso que hay que sentir su ritmo y su melodía.
Cuéntanos un poco más de las obras, ¿Cómo es la producción tanto creativa como técnica?
En relación a la pintura, en general nace del sentir, no planifico mis obras. En cambio, mis esculturas
si las escojo y nacen de mis pinturas, cuando deseo comunicar o resaltar un mensaje
Para mi el silencio es muy necesario y el aquietamiento para entrar en el mundo de los colores.
Necesito un orden externo y darme mis espacios de quietud.
Las técnicas y los materiales los voy eligiendo en el camino, todo fluye. Pienso que cada tela o
papel o madera, sea lo que escoja, es una aventura a diversas dimensiones de nuestro ser.
Pinto por capas, lo que hace que las obras tengan un proceso largo, es un pololeo, un vínculo
amoroso con cada una de ellas.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
El arte es una forma de manifestación del ser humano, donde buscamos comunicarnos. Hay muchos
medios, como la pintura, la danza, la música, la literatura, entre muchos más.
Siento el arte y la sociedad conceptos inseparables. Creo necesaria cada día más esta sinergia en
nuestro crecimiento y evolución como civilización El arte ayuda a reflexionar sobre nuestra
existencia , nos permite trascender y nos sana.
¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?
Felipe Forteza me invitó y me encantó la idea. Una gran galería, un espacio moderno, amplio, un
lienzo en blanco y privilegiado para exponer y compartir parte de mi recorrido.
CV Galería es un espacio con mucha personalidad y verde, que nos invita a disfrutar!!!! Sólo gratitud y celebración de tener esta oportunidad.
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Un Mundo sin fin
Un mundo sin fin de Daphne Anastassiou Mustakis
Un mundo sin fin de la artista Daphne Anastassiou Mustakis
Por Felipe Forteza
La artista, nacida en viña y de origen griego, presenta una serie de obras y esculturas que son su sello y representan su alma. Una paleta de colores pasteles o una intensa gama de azules y verdes, sumados a prístinas esculturas blancas dan forma a una exposición intensa, donde la figura humana, lo aparente y lo subliminal son parte de su imaginario, tanto como lo son la proyección de círculos a los que da vida con un ritmo frenético e infinito, invitando al espectador a adentrarse en su mundo, uno de sensaciones y sanaciones, de gritos y murmullos, de vida y lejanía.
Por una parte utiliza el cuerpo como vehículo de expresión, como un extenso recorrido que involucra crecimiento, necesidades, percepciones, conflictos y emociones. Este elemento de representación en el arte da forma a nuestros anhelos y obsesiones, como también a nuestra humanidad, con sus pecados y sus virtudes
En cuanto a su serie espirales, ténues y recurrentes, todas las culturas de nuestra historia nos han legado su experiencia a través del lenguaje simbólico y cada forma representa el encuentro entre lo divino y lo humano. Estas obras, precisamente nos invitan a pensar sobre nosotros mismos, a abrirnos y expandirnos hacia las potencialidades que cada uno traemos desde nuestro nacimiento.
Una representación de la unidad, lo absoluto y la perfección. Desde lo espiritual se le relaciona con la protección. De ahí nacen los anillos, las coronas o los cinturones que nos hacen “invisibles a lo negativo”. Indudable es la presencia de la segunda profesión de la creadora en cada una de sus obras. Daphne es también psicóloga, y ese conocimiento adquirido a través de años de práctica y observación, lo ha traspasado a sus pinturas y esculturas, dotándolas de profundidad y de un sin fín de miradas y simbologías, propias de su trabajo y de su aguda percepción.
Las esculturas que la artista presenta, son grandes volúmenes mayormente femeninas: intrincadas, poderosas y lúdicas, como si de un cuento infantil hubieran salido, vienen a complementar la muestra. Algunas de ellas son representadas en las pinturas que exhibe, en un tipo de duplicidad de dimensiones, generando coherencia a su trabajo.
Estas obras, al estilo de la desaparecida francesa Niki de Saint Phalle, son representaciones físicas de sus lienzos y nos invitan a reflexionar sobre la espiritualidad de nuestra existencia y la conexión que existe entre el amor, la energía infinita, la paz, la felicidad y el mundo interior y exterior que nos circunda.
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Lo que no se hereda se hurta
Lo que no se hereda, se hurta
Lo que no se hereda se hurta
Por Felipe Forteza
Juan José, desde muy niño observaba la práctica del crochet, heredada por su familia generación tras generación. Ejecutada exclusivamente por mujeres, esta expresión artística le llamaba vigorosamente la atención, en especial por el desarrollo de cuerpos complejos a partir de una simple hebra.
Por ser hombre no se le permitía practicarla, generando una represión pasiva y social respecto al hecho de su género.
Desde este cuestionamiento y una involuntaria discriminación, el creador comienza a generar su obra, reflexionando en torno a los roles de género, sumado a una genuina admiración por este ejercicio. Desde ahí, “hurta” la practica y la idea, llevando a esta manualidad artesanal hacia el objeto de arte por medio del papel gofrado, logrando inmortalizar el recuerdo de infancia, y donde la relevancia del proceso del tejido es tan importante como honrar y mantener viva la herencia de su linaje.
Su nombre viene de la palabra francesa de croc o croche, o de la vieja palabra nórdica krokr, que significa gancho. Es llamado crochet por los franceses, los belgas y los hispanos, excepto en España, donde se llama ganchillo. Se realiza con materiales básicos, hilos, cuerdas y otros elementos. Asimismo, es también valioso por ser un medio de sustento económico, movimiento cultural y terapia médica.
Su origen proviene de Arabia. También se plantea su inicio en China, donde hay ejemplos tempranos de muñecas tridimensionales trabajadas en “crocheto”, o en la tierra de los faraones, existiendo restos de este trabajo en las tumbas egipcias.
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La evolución sin fin de un creativo
La evolución sin fin de un creativo
Entrevista a Gonzalo Pedraza
Por Felipe Forteza
Este artista es singular. No solo porque su obra es de gran calidad y contenido, sino porque el periplo que ha recorrido para llegar a donde está no es cuestión de suerte. Historiador del arte, investigador, curador o artista visual, la excelencia con que ha ejecutado cada uno de estos roles lo han llevado a ser catalogado como uno de los creadores más promisorios del arte nacional.
Hay que poner ojo con Pedraza, porque lo que se propone, lo conquista. Lo conocí en casa de una conocida gestora cultural hace 10 años, y desde ese momento, con tan solo 26 años, ya prometía. A esa altura ya era un hombre maduro que profundizaba y reflexionaba con gran agudeza cada tema que discutía, como si desde ese momento, y antes tal vez, se estuviera preparando para lo que vendría, y hoy se vislumbra con claridad.
Estudió Teoría e Historia del Arte y realizó una Maestría en Estudios Latinoamericanos, ambos en la Universidad de Chile, aunque confidencia: “creo que donde realmente estudié fue en mi casa, teníamos muchas enciclopedias, un gran jardín y papeles y lápices, creo que todo eso es mucho más formativo”.
Sus habilidades son amplias, como también su trayectoria. Múltiples curatorías independientes, coordinación de residencias internacionales, colaboraciones en la Beca Arte CCU o su trabajo como curador en Matucana 100 le han brindado experiencia, redes y admiración. Cada etapa ha sido desarrollada en forma impecable, inclusive la reciente postulación para representar a Chile en la Bienal de Venecia o la muestra en CV Galería.
¿Cuéntanos algo de tu trayectoria en el arte?
Salí a los 21 años de la Universidad y traté de hacer algo que no se hacía de manera oficial en el medio: ser curador. Entendía poco de qué se trataba, pero básicamente era armar exhibiciones: desarrollar un problema, buscar obras que dialogaran con esa idea y exponerlas en un espacio contando ese relato. Me formé con antiguos curadores que encontré en varios libros y que también eran pintores, museógrafos, escritores y aventureros. Con todas esas cualidades me transformé en artista y hasta el día de hoy sigo esa línea.
¿En que categoría profesional te sientes más cómodo?
En todas, pero principalmente como artista. Comencé en 2008 creando una exhibición con las obras de arte que los vecinos de una población prestaban, se llamó “Colección Vecinal” y consistió en ir puerta a puerta preguntando: ¿me presta su obra de arte?, nos decían: no tengo; y respondíamos: lo que más se parezca. Aparecieron cuadros de marinas, paisajes, fotos, artesanías y recuerdos pegados en los muros. Reuní más de 300 piezas y se construyó un gabinete.
¿Cuál ha sido tu mayor privilegio en el arte?
Conocer. Personas de toda índole, de cabezas, clases, oportunidades e imaginaciones dispares. También estudiar todos los días tres horas, crear y hacer exhibiciones, rodearme de gente amable que me apoya. Soy muy privilegiado frente a un mundo donde es escaso el privilegio.
¿Qué período del arte, nacional e internacional encuentras más interesante?
¡Qué difícil! Del arte nacional, lo que se produjo en los bordes del siglo XIX: exhibiciones, parques y eventos universales. En el internacional la pintura de gabinete en el siglo XVI: un grupo de pintores se dedicó a retratar colecciones en cuadros de mediano formato, debían pintar otros cuadros de pintores famosos “copiando su mano”, también materialidades como oro, plata, cristal, metal y bronces, desarrollar naturalezas desconocidas y elementos curiosos sin data.
¿En qué piensas cuando creas una obra?
No pienso nada. Trabajo todo el día, me levanto a las 8 de la mañana y estudio tres horas, trabajo en la “gestión de mi vida” y en el taller de la manera más equilibrada. En la noche antes de dormir, o hasta en el mismo día, aparecen imágenes exactas de las obras que quiero, yo lo llamo “el regalo de la creatividad post trabajo”, o más fácil: un pajarito que aparece sin plan de vuelo como decía la Violeta Parra.
¿Crees que en Chile se puede fortalecer el coleccionismo?
Es complejo. Hay un coleccionismo de pocas personas que respetan la labor del artista y crean un acervo interesante según sus gustos e ideas. En esa línea destaco a Juan Yarur y Pedro Montes. Por otro lado, hay un coleccionismo de portonazo: el artista es castigado en el precio, ya que lo consideran caro para lo que “es” y se debe agradecer por estar ahí. Por tanto más que una adquisición es un favor. Otros hablan mucho de sus colecciones, de su línea curatorial y tienen veinte piezas pequeñas porque salen más baratas y caben en la maleta… usan el coleccionismo para subirse el pelo. Estas prácticas vienen también de siglos, el arribismo es milenario. El arte es un bien de lujo que solo pocos pueden comprar. Aun así, el sistema de arte local ya entiende los códigos.
¿Las ferias de arte son necesarias en Chile?
En Chile la feria de arte de todos es Ch.ACO, lleva 10 años y ha hecho un cambio en la percepción del arte por parte de todos. Antes era feo y malo vender, ahora es algo natural. Los mismos que nos enseñaban a no vender, hoy son los que venden más caro. La feria ha tenido muchos programas y todo el sistema se ha beneficiado: ventas, visibilidad, viajes, becas, etc. Una feria es una empresa privada que entrega un espacio y un tiempo para vender. Al ser privado no sé si es necesario para un estado. Para Chile es necesario un museo con una colección permanente de arte, grupos humanos con capacidades y formaciones de alto nivel intelectual y ético, espacios que contengan a los distintos protagonistas del arte y construyan audiencias. Esas son cosas de primera necesidad. Es como si me preguntaras si es necesario el espumante, te diría sí, pero es más necesaria el agua.
¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Millones, pero como dicen las viejas: mejor no contarlos para que resulten
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Mujeres chilenas pioneras en el arte
Mujeres chilenas
pioneras en el arte.
En el contexto del mes de la mujer, CV Galería conmemora la gran labor que distintas artistas chilenas tuvieron a lo largo de la historia, siendo muchas de ellas pioneras, tanto en el país como en el exterior, en cada una de sus disciplinas.
Presentamos un listado de artistas con el que hoy queremos homenajear y recordar en este, su mes.
En CV Galería buscamos fortalecer la hibridación de la cultura y el sentido de comunidad. En él conviven el arte, la gastronomía, la arquitectura, la botánica y el diseño. De esta forma generamos un círculo virtuoso entre creación, trayectoria, talento y visión. Queremos promover e invitar a las actuales y futuras generaciones a ser parte de este mundo cultural, que fomenta la creatividad, la perseverancia, la memoria y quiere incentivar a cada uno de quienes forman la comunidad CV, a ser parte de la vida cultural local.
Marcela Paz, ESCRITORA CHILENA.
Tercera mujer en ganar el Premio Nacional de Literatura de Chile, en 1982. Su gran aporte a la literatura chilena son las aventuras de un niño de 8 años, Papelucho, que tiene una imaginación e ingenio encantadores.
Esther Hunneus Salas nació el día bisiesto de 1902 en Santiago. Marcela Paz fue el seudónimo que creó Esther, con la mezcla de una de sus escritoras favoritas, Marcella Auclair y la palabra Paz, pues le gustaba la idea de lo que significaba.
La niñez de Esther la pasó en su casa, educada por institutrices y sumida en su imaginación. Segunda de ocho hermanos, la futura novelista sufrió la muerte de su hermana mayor cuando tenía 11 años, un momento que la hizo ser aún más introvertida. Fue por este tiempo que comenzó a leer a Stefan Zweing, Fedor Dostoyevski y Anton Chejov, quienes influenciaron su futura carrera de escritora.
Su primera producción literaria que alcanzó fama fue Pancho en la luna, de 1927, con el cual ganó el premio del Concurso Sanidad. Sus escritos de tono familiar comenzaron a aparecer como breves cuentos en revistas como Lectura, El Peneca, Ecrán, Zig-Zag, Eva, Margarita y la página infantil del diario La Nación, El Diario Ilustrado y La Tercera. En todos publicaba con sobrenombres como Paula de la Sierra, Luki, Retse, P. Neka, Juanita Godoy, Nikita Nipone, entre otros.
Su obra más famosa, Papelucho, hoy reeditado más de 70 veces, recibió el premio de honor de la editorial Rapa Nui en 1947. Este libro y los que vinieron después, siempre tienen de protagonista a Papelucho, niño de 8 años que tiene muchas aventuras en su cabeza. La historia, basada en las experiencias infantiles de Marcela Paz, dan cuenta de cómo la imaginación de un niño interpreta lo cotidiano con un ingenio que siempre termina por hacer que las cosas terminen mal. La personalidad de Papelucho lo hace uno de los personajes infantiles más queridos de la narrativa chilena, pues además de sus peripecias, son historias que no tienen un tono moralista, lo que era muy alejado de la realidad social de la época en que comenzaron a publicarse.
Papelucho cuenta con 12 títulos, como Papelucho casi huérfano (1952), Papelucho perdido (1960), Papelucho en vacaciones (1962), Papelucho, mi hermana Ji (1964) entre otros. Estos han sido traducidos al francés, griego, ruso, inglés, italiano y japonés, en más de 400 ediciones. Son hasta hoy libros de lectura obligada en todos los colegios chilenos.
Marcela Paz recibió en 1982 el Premio Nacional de Literatura de Chile por unanimidad, por “atención a su dedicación especial al cultivo de la literatura en especial a la narrativa infantil; al hecho de haber creado un personaje literario de alcances nacionales y universales; como una distinción a las numerosas mujeres que en nuestro país cultivan la literatura en forma sobresaliente”.
Además de su labor como escritora, Marcela Paz ayudó a fundar IBBY (International Board on Books for Young People: Organización Internacional para el Libro Juvenil),un colectivo internacional que fomenta la lectura de niños y jóvenes. Y en un sentido más social, creó el Hogar Santa Lucía, para niños ciegos, que hoy es un Colegio, el primero de Latinoamérica, que atiende a niños con discapacidades visuales.
Lily Garafulic una gran ESCULTORA CHILENA.
“Nunca estuve en ninguna de las listas de niñas que querían asegurar marido y casa. Quise ser otra cosa desde mi infancia. Los niños jamás me interesaron y la soledad me ha sido soportable porque me casé con lo que amaba, la escultura… Le he dado todo, mi vida. Eso es amor”.
Nació en Antofagasta, en 1914, hija de padres croatas. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile entre 1934 y 1937, donde fue alumna y luego ayudante de Lorenzo Domínguez.
En 1939 conoció a Constantin Brancusi en París, lo que produjo un quiebre con su maestro al volver a Chile. Fue profesora de escultura en la Escuela de Bellas Artes durante 37 años. En 1945 obtuvo la beca Guggenheim y partió a Nueva York, donde estudió grabado en el Atelier 17 con William Hayter.
En 1959 viajó a Isla de Pascua, experiencia que según la artista marcó un antes y después de su obra. En 1973 se convirtió en la primera mujer en asumir la dirección del Museo Nacional de Bellas Artes. En 1995 fue reconocida con el Premio Nacional de Arte. Falleció el 15 de marzo de 2012, en Santiago.
Portada de la revista estadounidense Life, en la cual posó junto a sus “16 profetas”, monumentales esculturas instaladas en la cúpula de la Basílica de Lourdes. Considerada una de las tres escultoras más importantes en la historia de Chile, junto a Rebeca Matte y Marta Colvin.
MATILDE PEREZ, ARTISTA CHILENA.
“Tal vez tenga un cerebro mágico, no sé. Más que cuadros, los míos son pensamientos”.
Matilde Pérez fue una mujer atemporal, los años y las épocas nunca le impusieron nada que a ella no le interesara. Huérfana de madre, a los 5 años supo que quería ser artista y sin proponérselo se transformó en la más vanguardista del arte moderno chileno.
Desde sus inicios Matilde decidió que el arte figurativo le ponía límites a su capacidad expresiva y se embarcó en una búsqueda que la llevó a explorar distintos formatos hasta que en 1960 partió a París a estudiar un año becada por el gobierno francés.
Ahí conoció al húngaro Víctor Vasarely, de quien aprendió las posibilidades de la abstracción geométrica y adoptó el lenguaje cinético. Volvió a Chile y se dedicó a crear incansablemente esculturas, murales, collages, cuadros y grabados. Siempre con el “ojo móvil”, durante décadas ajena a las modas y a la fama.
Matilde murió a los 97 años, intacta mente moderna, lúcida y visionaria. Ganó montones de premios y reconocimientos pero no el Premio Nacional de Artes Plásticas: “Yo funciono para el que quiera conocerme. El que no quiera, está bien. No tengo responsabilidades con nadie. Nunca me he preocupado si en Chile me reconocen”.
Isidora Aguirre, escritora y dramaturga chilena.
Autora principalmente de obras dramáticas de temas sociales que han sido representadas en numerosos países de América y Europa.
Una carrera de 50 años, ser la creadora de la famosa La Pérgola de las Flores y otra treintena de obras teatrales, hacen de Isidora Aguirre una de las mujeres más importantes de la dramaturgia nacional del siglo XX.
Hija de un ingeniero y de una pintora, Isidora Aguirre nació en 1919 en Santiago. Desde niña recibió una educación de tipo artístico y estuvo rodeada de intelectuales de la época, amigos de sus padres, como María Luisa Bombal, Pablo Neruda y su tía Esther Huneeus, la creadora de Papelucho. Antes de cumplir los veinte años realizó estudios de trabajo social, literatura, piano, ballet moderno y dibujo.
A sus 21 se casó con un español, con quien se mudó a París 5 años después. Los conocimientos aprendidos le sirvieron mucho para sobrevivir en la capital francesa donde trabajó de ilustradora, al mismo tiempo que continuaba estudiando teatro y cine. De vuelta en Chile, arriba de un trolebús se topó con el actor y director de teatro Hugo Miller, quien tras el encuentro, se convirtió en su profesor de dramaturgia en la Academia Chilena del Ministerio de Educación en 1952. Desde aquí la vocación de Isidora se vuelca por completo hacia el teatro hasta su muerte en 2011.
Así Isidora comenzó a trabajar con los teatros que estaban al alero de las universidades, como el Teatro Experimental de la Universidad de Chile y el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica, lugar donde estrena en 1960 su icónica La pérgola de las flores. La obra, musicalizada por Francisco Flores, desarrolla una historia donde el choque de clases, la comedia y música, la transformaron rápidamente en un clásico del teatro chileno y en la primera obra nacional en tener éxito internacional.
La mayoría del trabajo de Isidora Aguirre, estuvo siempre influenciado por los postulados teatrales de Albert Brecht, donde se planteaba el teatro con un compromiso social, piezas testimoniales que daban cuenta de los problemas de la época. Así, la dramaturga realizaba exhaustivas observaciones en terreno junto a una intensa investigación documental de manera de crear historias que vinieran de la realidad. Por ejemplo para Los Papeleros de 1962, la escritora pasó un mes viajando cada día a basurales periféricos de Santiago para ver cómo vivían y trabajaban los recolectores de papel. Isidora tenía la convicción de que sólo así podía escribir una obra que realmente retratara la realidad de la miseria, la explotación y la desigualdad social que existía en la labor de estas personas. Otras obras que se identificaron con esta metodología de creación desde hechos reales, fueron Población Esperanza, Los que van quedando en el camino y Retablo de Yumbel. Además de esta corriente realista en su trabajo, Isidora Aguirre escribió obras de carácter histórico como Lautaro. Epopeya del pueblo mapuche (1982) y Manuel (1990), inspirada en la vida de Manuel Rodríguez.
El éxito de las obras de Isidora Aguirre fue gracias a su preocupación y puesta en escena de los problemas sociales de la época, que la terminaron por convertir en una de las grandes dramaturgas chilenas del siglo XX. También fue una gran patrocinadora de la formación de grupos teatrales, donde ejercía de profesora y a la vez promovía la actividad teatral en provincia.
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Exposición Emerge
Exposición Emerge: Arte contemporáneo del puerto
Por Felipe Forteza.
CV Galería presenta una selección de artistas contemporáneos de la región de Valparaíso.
Buscando descentralizar el arte de Santiago, hemos invitado a estos creadores, de diversas trayectorias, generaciones y temáticas, a exhibir sus trabajos en un espacio, que al igual que ellos, es emergente. La riqueza y espontaneidad de sus obras nos permiten vislumbrar la aguda mirada de una generación que va más allá de la simple observación individual del mundo que los rodea, sino que proceden con deliberada osadía exponiendo escenarios diversos, propios de su desprejuiciada formación.
Ana Blanchard, Carolina Agüero, César González, Coti Dörr, Danila Ilabaca, Danny Reveco, Editorial PLO, Felipe Robles, Gabriel Holzapfel, Javiera Ovalle, Joaquín Rodríguez, José Pemjean, Juvenal Barría y Paula López Droguett, levantan obras desde lo que ellos denominan el borde, dicho de otra forma “la región”.
En ese ejercicio desde el borde, hacia lo que definen como el centro, “la capital”, dan a conocer y visibilizan sus prácticas artísticas, cuya fuerza radica en el ímpetu, la convicción y la certeza que las variables territoriales no son barreras, sino oportunidades.
Es imposible desconocer que entre “el centro y el borde” existe una ruptura cultural, creada por nuestra propia idiosincrasia y la imposibilidad actual de unir los extremos. Lo que sí podemos aseverar es que los trabajos que presentan estos artistas son el fiel reflejo de las posibilidades que ofrece el arte contemporáneo, sin importar dónde se genere.
Su imaginario y lo que se podría considerar arte del puerto, observa discursividades y estéticas que nos muestran problemáticas y temáticas que bordean lo local y se insertan en lo global, fenómeno propio de nuestro tiempo, generado por la gran cantidad de estímulos visuales que nos influencian diariamente, sean reales o virtuales, pero con el virtuosismo que provoca precisamente vivir fuera “del centro”, permitiendo a estos creadores incorporar el territorio al que pertenecen en sus trabajos, lo que posibilita una diversidad y fertilidad en sus trabajos.
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