Un Mundo sin fin

Un mundo sin fin de Daphne Anastassiou Mustakis

Un mundo sin fin de la artista Daphne Anastassiou Mustakis

Por Felipe Forteza  

La artista, nacida en viña y de origen griego, presenta una serie de obras y esculturas que son su sello y representan su alma. Una paleta de colores pasteles o una intensa gama de azules y verdes, sumados a prístinas esculturas blancas dan forma a una exposición intensa, donde la figura humana, lo aparente y lo subliminal son parte de su imaginario, tanto como lo son la proyección de círculos a los que da vida con un ritmo frenético e infinito, invitando al espectador a adentrarse en su mundo, uno de sensaciones y sanaciones, de gritos y murmullos, de vida y lejanía.

 

Por una parte utiliza el cuerpo como vehículo de expresión, como un extenso recorrido que involucra crecimiento, necesidades, percepciones, conflictos y emociones. Este elemento de representación en el arte da forma a nuestros anhelos y obsesiones, como también a nuestra humanidad, con sus pecados y sus virtudes

 

En cuanto a su serie espirales, ténues y recurrentes, todas las culturas de nuestra historia nos han legado su experiencia a través del lenguaje simbólico y cada forma representa el encuentro entre lo divino y lo humano. Estas obras, precisamente nos invitan a pensar sobre nosotros mismos, a abrirnos y expandirnos hacia las potencialidades que cada uno traemos desde nuestro nacimiento.

 

Una representación de la unidad, lo absoluto y la perfección. Desde lo espiritual se le relaciona con la protección. De ahí nacen los anillos, las coronas o los cinturones que nos hacen “invisibles a lo negativo”. Indudable es la presencia de la segunda profesión de la creadora en cada una de sus obras. Daphne es también psicóloga, y ese conocimiento adquirido a través de años de práctica y observación, lo ha traspasado a sus pinturas y esculturas, dotándolas de profundidad y de un sin fín de miradas y simbologías, propias de su trabajo y de su aguda percepción.

 

Las esculturas que la artista presenta, son grandes volúmenes mayormente femeninas: intrincadas, poderosas y lúdicas, como si de un cuento infantil hubieran salido, vienen a complementar la muestra. Algunas de ellas son representadas en las pinturas que exhibe, en un tipo de duplicidad de dimensiones, generando coherencia a su trabajo.

 

Estas obras, al estilo de la desaparecida francesa Niki de Saint Phalle, son representaciones físicas de sus lienzos y nos invitan a reflexionar sobre la espiritualidad de nuestra existencia y la conexión que existe entre el amor, la energía infinita, la paz, la felicidad y el mundo interior y exterior que nos circunda.


by Josefa Justiniano

Lo que no se hereda se hurta

Lo que no se hereda, se hurta

Lo que no se hereda se hurta

Por Felipe Forteza  

Juan José, desde muy niño observaba la práctica del crochet, heredada por su familia generación tras generación. Ejecutada exclusivamente por mujeres, esta expresión artística le llamaba vigorosamente la atención, en especial por el desarrollo de cuerpos complejos a partir de una simple hebra. 

 

Por ser hombre no se le permitía practicarla, generando una represión pasiva y social respecto al hecho de su género.

 

Desde este cuestionamiento y una involuntaria discriminación, el creador comienza a generar su obra, reflexionando en torno a los roles de género, sumado a una genuina admiración por este ejercicio. Desde ahí, “hurta” la practica y la idea, llevando a esta manualidad artesanal hacia el objeto de arte por medio del papel gofrado, logrando inmortalizar el recuerdo de infancia, y donde la relevancia del proceso del tejido es tan importante como honrar y mantener viva la herencia de su linaje.

 

Su nombre viene de la palabra francesa de croc o croche, o de la vieja palabra nórdica krokr, que significa gancho. Es llamado crochet por los franceses, los belgas y los hispanos, excepto en España, donde se llama ganchillo. Se realiza con materiales básicos, hilos, cuerdas y otros elementos. Asimismo, es también valioso por ser un medio de sustento económico, movimiento cultural y terapia médica.

Su origen proviene de Arabia. También se plantea su inicio en China, donde hay ejemplos tempranos de muñecas tridimensionales trabajadas en “crocheto”, o en la tierra de los faraones, existiendo restos de este trabajo en las tumbas egipcias.


by Josefa Justiniano

A qué sabe el arte

¿A qué sabe el arte?

Fusión de Arte- Gastronomía en CV Galería y Museo Ralli. 

CV Galería, un lugar multidisciplinario que fortalece la hibridación de la cultura y el sentido de comunidad. En él conviven el arte, la gastronomía, la arquitectura, la botánica y el diseño. 

El espacio busca promover el arte contemporáneo, es por eso que en forma conjunta con el Museo Ralli de Santiago realizó el proyecto “¿A qué sabe el arte?” Seis de nuestros reconocidos chefs participaron de una experiencia estética y gastronómica, en torno a las artes visuales y la gastronomía, entablando un diálogo entre estos dos conceptos. 

Cada chef eligió una obra del Museo Ralli como inspiración, donde la textura del material, los colores, la composición y el artista, fueron fuente para las obras resultantes, siendo este proyecto un viaje a través del gusto, entendido como sentido y como estética, derivando a la pregunta ¿A qué sabe el arte? 

Estos artistas de la buena mesa, desafiaron la creatividad y nos invitan a visualizar la fusión de sus procesos creativos en obras culinarias inspiradas en distintas obras.

“Venus spatiale” escultura en bronce del artista español Salvador Dalí (1904-1989), fue la que escogió el chef internacional Renzo Tissinetti nombrando el plato  “Entre lo efímero y lo carnal”, Ostra con crema de ajo blanco, aire de amontillado y ajo negro chilote. 

Por otro lado, Juan Andrés García del nuevo Restaurante “Fe y Barra La Java” “Me inspiré en el cuadro de Héctor (Tito) Calderón, «El sueño de la intensidad», puse al cochayuyo de protagonista. Para los que cocinamos nuestra meta es darle valor a los productos y por eso puse al cochayuyo en el centro, nadie lo toma mucho en cuenta y por eso cree mi plato  “Ostión mulato celoso”

Grey Sierra de Etniko creó “La transformación del Calder 59” basándose en el cuadro “Composition” del artista estadounidense Alexander Calder. Experimentótal como dijo “Una mezcla de sabores de una forma extravagante y al mismo tiempo simple y sabrosa” El plato tiene un puré de curry amarillo y rojo ahumado, una flor de sashimi de pescado blanco y un langostino braseado. Con toques de tinta de calamar y leche de coco que unifica todo. 

Víctor Aguilar de Lolita Jones junto a Alexandra Inzunza y Nicolás Yankovic eligieron “El gimnasta de Rufino Tamayo, México.” “En lo personal me gusta mucho la obra de Tamayo, él es oriundo de mi ciudad Oaxaca por lo que me sentí muy representado” Agregó “Utilicé  ingredientes y técnicas  de la cultura zapoteca”

La chef Sonia Vigo de La Dicha, junto a los banqueteros Pablo Bagnara y Francesca Margozzini, ocuparon de modelo “La mesa puesta” de Roser Bru. A partir de este ejemplar crearon “Sandía con quinoa roja y queso feta de cabra”

Y por último, Solangge, López de La Picantería creó “Pastelera Peruana o Tradicional Espesado Norteño” un espesado Norteño de ají amarillo y cilantro, dados de pescado acevichado, langostinos de la Patagonia salteados, aros de cebollín crocante, palta flambeada y un toque fino de aceite de Achiote. Se inspiró en Víctor Vasarely, con la obra “Tridim – Cristal – II” La chef dijo “Es una obra perfecta, no hay un color que llame más que otro, hay un equilibrio”

El objetivo de la fusión de CV Galería y Museo Ralli, es generar activaciones que posicionan el arte y la gastronomía en la comuna de Vitacura. Por esta razón, establecemos un diálogo entre estas dos disciplinas, buscando comunicar nuevas inquietudes e interpretaciones, como también expresar sensaciones y experiencias en torno a los que nos apasiona: el arte.


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